Mi historia en Tv Azteca

Mi historia en Tv Azteca se remonta cuando aun se llamaba Imevision y yo tenía alrededor de 14 años. Creo que fue en 1988 cuando la Secretaria de Comunicaciones y Transportes organizo en sus instalaciones una exposición de medios de comunicación, le comente a mis hermanos y me acompañaron. Fue muy entretenido.
Días antes me había comprado un libro de los estudios de tv y en la exposición descubrí uno, todo el mundo quería entrar a ver como se graban las telenovelas, era un set de Televisa. La fila para entrar era demasiado larga, además se veía a través de un cristal y los que estaban adentro como podíamos ver se morían de calor, mis hermanos se quedaron viendo, yo me separe un poco, porque a lo lejos vi una cámara de televisión, estaba como abandonada, mientras me acerque, vi que había otra cámara y un una sala y unas plantas y unas mamparas pintadas, sabía que se trataba de un set de televisión, lo había visto en mi libro, ya sentía atracción por este mundo de la televisión.

De uno de los sillones de la sala surgió un hombre que me hablo en cuanto quise acercarme a una de las cámaras: Que paso muchacho, en que puedo servirte, dijo el hombre. Lo único que pude decir fue: Oiga ¿Y que se estudia para ser camarógrafo? El hombre rió a carcajadas y volteo a ver a otro hombre que estaba incrustado en otro sillón. Oíste, le dijo al otro hombre incrustado al sillón. Dice el muchacho que: ¿Qué se estudia para ser camarógrafo? Los dos hombres de los sillones rieron, al ver mi cara larga respondió: Para ser camarógrafo no se estudia. Me di la vuelta, solo alcance a ver que en una de las cámaras resaltaba en color verde: Imevisión, me fui diciéndome para mis adentros: Yo si quiero estudiar.

Pasaron muchos años y cuando tuve que decidir mi profesión, quise estudiar cine, solo había un pero, la carrera de cine se estudia en la UNAM y yo estudie el bachillerato en el IPN, en tres ocasiones presente el examen de admisión, en esos tres años me prepare en cursos de cine y de televisión, pero no logre ingresar a la carrera de cine y la única opción fue trabajar y estudiar, además de buscar una oportunidad en la TV.
En el Centro de Capacitación para el Trabajo Industrial (CECATI 108) donde estudie el curso de producción de televisión, a los mejores promedios nos recomendaron ir a Televisión Azteca a solicitar trabajo. Después de un largo viaje llegue a las instalaciones de televisión Azteca, toque la puerta y al guardia que abrió la puerta le dije: Vengo a pedir trabajo de camarógrafo. Sí, claro, me respondió. ¿Y a quien viene a ver? A la señora Blanca Gallardo o al señor Raúl Sánchez. Muy seguro respondí que al señor Raúl, el guardia me indico como llegar al sótano de noticias, allí mi entrevista fue corta, pues mi experiencia también era muy corta, el señor Raúl me recomendó muy amable que se solicitara mejor una oportunidad como asistente, y así lo hice.
Después de casi tres meses, ya casi cuando perdía la esperanza, me llamaron para que me presentara a un examen, desempolve mis apuntes y me puse a repasar todo lo aprendido. Al otro día llegue a la hora indicada, me instalaron en el área de selección, después del examen teórico pase al practico, llegue al área de sistemas portátiles.
Mucha actividad, gente entraba y salía con esas cámaras de televisión que tanto me han atraído. El ingeniero Gonzalo Osorio me hizo el examen práctico, cuando termino, me indico que pasara al área de programación, Verónica quien era la encargada de programar al personal me dijo que me presentara al día siguiente: 21 de Agosto de 1997, me quede pasmado. De verdad ¿Ya iba a trabajar en Televisión Azteca? SI, si, si… así fue, llego el gran día de ver el fruto de mi esfuerzo, cuando llegue a casa mis padres y mis hermanos me felicitaron. Así me inicie, como asistente de camarógrafo.
Aquí en TV Azteca encontré a los mejores maestros que pude tener en cualquier universidad de Televisión, así que no tarde mucho en convertirme en lo que siempre quise ser: Camarógrafo, porque si se estudia para serlo.
Esa fue la lección que me dejo aquella visita a la expo de medios de comunicación. Ya son casi catorce años de estar aquí y mas de una década como camarógrafo que me ha dejado un sinfín de experiencias y anécdotas que al recordarlas siempre me hacen sentir a gusto con mi trabajo. En todos estos años han sido muchas grabaciones, programas en vivo, conciertos, partidos de fútbol, coberturas especiales, realitys shows, siempre llevando a la gente diversión, información y entretenimiento.

De ser Televisión Azteca luego TV Azteca y ahora Azteca, los cambios han sido muchos, también tecnológicamente hay avances, de analógico a digital y después a HD, además con el sistema Over Driver en el Foro 1 ha cambiado la forma de hacer la televisión y afortunadamente estoy en este proceso.

Aquí en Azteca encontré a los mejores maestros, además encontré muy buenos amigos, ahora tengo una familia, mi esposa e hijos están orgullosos de mi trabajo y a mí me encanta este trabajo. Azteca me ha dado muchas satisfacciones que no me hubiese dado ninguna otra profesión.

Dirección de Cámaras en una Entrevista

El otro día un #coworker se atrevió a criticar vía twitter la dirección de cámaras de un programa de entrevistas, le preguntaron: ¿Por qué el comentario respecto a la Dirección de Cámaras? Y no supo que responder, es una lástima que alguien que trabaja como camarógrafo no sepa dar una respuesta de cómo le gustaría ver un programa de entrevistas.

En un foro donde se cuenta con mínimo de tres cámaras se puede realizar una entrevista de manera efectiva, si es un invitado y el entrevistador, se pueden colocar las cámaras de la siguiente manera:
 Cámara 1 en M.F.S el entrevistador
 Cámara 2 Two shot
 Cámara 3 M.F.S Del entrevistado

Para iniciar se recomienda un stablishing shot donde vamos a ubicar donde se realiza la entrevista y donde se presenta el entrevistador y el entrevistado.

Conforme se va desarrollando la entrevista las tomas se van haciendo más “intimas” como son el M.C.U y el C.U, sin dejar de utilizar el Two shot.

Las tomas tienen que llevar correspondencia, no se puede ver al entrevistador en M.C.U y al entrevistado en C.U, se puede llegar a sentir preferencia por uno de los participantes en la entrevista, además la altura de las cámaras debe ser similar, si la altura no es igual ya sabemos que alguno podría verse pequeño en relación al otro.

La entrevista debe llevar un ritmo utilizando cada uno de los movimientos y desplazamientos de la cámara, también puede utilizarse el over shoulder con precaución de no romper el eje.
El eje es una línea imaginaria que está determinada por la mirada de los involucrados, si se rompe el eje resulta algo extraño al espectador.

La mejor Dirección de Cámaras es la que no se nota, lograr que el telespectador se quede frente al televisor sin que ningún detalle lo distraiga.

Se piensa que los televidentes no se darán cuenta de los errores comunes de una transmisión en vivo, hay que recordar que una persona pasa más de cuatro horas al día frente al televisor, entonces ya aprendieron a ver la televisión.

Así que la próxima vez que alguien critique el trabajo de otro es porque lo puede hacer mejor o por lo menos puede respaldar sus comentarios.

Angulo y perspectiva

El otro día vi como un #coworker utilizando la grúa (jimmy jib) hacia mal uso de los recursos técnicos que tiene. La cámara tiene un objetivo gran angular (distancia focal corta) y lo utiliza como si tuviera un objetivo telefoto, con esto logra una imagen pobre para el televidente.

Para que los tamaños y las distancias parezcan naturales el ángulo del objetivo de la cámara debe ser similar al ángulo con el cual los telespectadores observan la pantalla de TV. Al usar un objetivo de distancia focal corta o distancia de focal larga, algo es seguro, la profundidad de campo es diferente a la original-

Objetivo de distancia focal corta
La perspectiva se exagera, se hace mas notable la profundidad, el espacio y la distancia, parecen mas grandes de lo que son. Las personas parece que llegan mas rápido cuando se acercan a la cámara. Esto lo podemos constatar cuando entramos a un foro de televisión y en la realidad vemos que son mas pequeños de lo que vemos en la TV.
El movimiento de la cámara hacia adelante o atrás parece mucho mas rápido, han visto como se ven los movimientos y desplazamientos de la cámara cuando tiene este objetivo y va montada en la grúa, steadicam o en cámara al hombro.

Objetivo de distancia focal corta
Las cosas parecen mas cerca, en la pantalla se muestra una porción mas pequeña de la escena. Los movimiento deben de ser precisos para no perder detalle de la acción, estos objetivos se utilizan en las transmisiones del fútbol, golf, y otros deportes donde no se puede estar físicamente cerca de la acción. La profundidad se comprime. Si los personajes se mueven hacia la cámara parece que lo hacen lento, esto lo han visto en la carrera de autos, estos parecen que van muy lentos cuando en realidad lo hacen a mas de 200 k/h.

Conocer los recursos ticónicos que tenemos a nuestro alcance para ofrecer una televisión de imagines atractivas para ser #camarografoenaccion.

Visor (View Finder)

El camarógrafo es el primero en ver antes que nadie, la imagen que esta frente a su cámara, quizá por esto siempre llama mucho la atención que es lo que ve el camarógrafo en el visor.

Además de que permite ver lo que el objetivo de la cámara esta captando, en el view finder hay información importante relacionado a la calidad de la imagen. Es importante recordar que el visor es una pantalla electrónica. En las cámaras de ultima generación el visor es a color, anteriormente era a blanco y negro, se dice que era para tener mayor control en el enfoque. Los visores a color también facilitan el ajuste a blancos y poder identificar relación de colores en la escena.

Existen dos tipos de visor:

1.- Visor ocular Es un pequeño monitor de 1.5 pulgadas que va colocado a un costado de la cámara, tiene un ajuste con un lente compensador para que el camarografo lo ajuste a su tipo de vista, además esta dotado de un soporte de goma (eye cup) para proteger el ojo del operador y para evitar que entre luz al visor que distraiga al momento de estar trabajando. Este tipo de visor lo podemos encontrar en la cámara portátil.

2.- Visor de pantalla abierta Este va colocado en la parte superior de la cámara y es de 5 o 7 pulgadas, este visor tiene una visera que ayudan a evitar reflejos que distraigan al momento de estar trabajando.

Los controles en ambos visores son tres:

1.- Brillo de la pantalla

2.- Contraste Aumenta o reduce la diferencia en las tonalidades

3.- Peaking (realce) Destaca el detalle en las imagenes del visor para facilitar el enfoque

Es importante recordar que: Estos controles no afectan la imagen de la cámara, solo la imagen del visor.



Indicadores en el visor


- Tally light nos indica si la cámara esta "al aire" o si esta grabando
- Low batt Cuando el nivel de carga en la batería es baja
- Advertencia de fin de la cinta
- Resultado del Balance a Blancos
- Numero de filtro utilizado
- Subexposicion
- Control de ganancia
- Filtro seleccionado (interior / exterior)
- Posición del zoom (indicando cuánto más se puede aplicar o retirar el zoom)
- Monitoreo de nivel de audio
- Código de Tiempo
- "Zebra" para monitorear y ajustar los niveles de vídeo
- Safety zone en formato 4:3 o 16:9
- Humedad
- Indicador de iris Manual7Automático

Todos estos elementos sirven para poder obtener la mejor imagen, así que la próxima vez que estés al mando de una cámara no dejes de averiguar que mas hay en tu cámara.

Educados por la televisión

A dos días de haberse llevado a cabo el debate entre los aspirantes a la presidencia de México, ha causado revuelo el formato AudioVisual de la Producción que se utilizo para la transmisión de televisión.
Dicha Producción para el Instituto Federal Electoral (IFE) fue realizada por Jesús Tapia, propietario de Chinanpa Producciones.


Algo que no hay que dejar de lado es el cobro de dicha producción (240 mil pesos mexicanos) y la controversia que causo el descuido en el vestido de la edecan  (Julia Orayen que cobro 7 mil pesos mexicanos). Sin embargo lo que aquí  analizaremos es el trabajo AudioVisual.


Jesus Tapia lleva muchos años en la industria de la televisión y a pesar de su experiencia, le fueron rechazadas algunas de sus propuestas, las cuales fueron evaluadas por las mesas de representantes en el IFE.
Tapia proponía un recuadro en la pantalla para ver las replicas y contra replicas de los candidatos, esto es muy común en televisión, porque el trabajo AudioVisual es de imagen, de momentos, es de reacciones, pero para un debate donde cada candidato tiene un tiempo establecido (según el acuerdo entre las mesas de representantes del IFE cada candidato tendría los mismos minutos en pantalla) ¿Por que "robarle" este tiempo a cada contendiente viendo a otro en un recuadro?


Las mesas de representantes acordaron el tamaño de cuadro: MEDIUM, para todos. Me parece muy acertada esta decisión, pues se trata de no favorecer a alguien. Además estuvieron muy bien cuidadas las tomas, teniendo en cuenta la estatura de cada candidato.
Además de la TOMA FIJA. Si por esto fue imposible ver las fotografías que presentaron los candidatos, el formato no esta planeado para esto y creo que no debería modificar el formato.


A muchas personas les molesto que fueran "cortados" los contendientes en cuanto se termino su tiempo, insisto no debe favorecerse a alguien en particular.


Jesús Tapia hace referencia al numero de cámara que utilizo: "Habra 12 cámaras de televisión, de las que cuatro serán para los candidatos, una cada uno, y dos para la moderadora del debate (Guadalupe Júarez), una cámara con brazo y dos robóticas".
Haciendo una suma son 9 ¿Y las otras 3?


Si ya habían pactado no hacer movimientos, ¿Por que hacer acercamientos (Zoom In) a la moderadora, esto rompió tomo el formato establecido.
La toma de la grúa (Jimmy Jib) me parece que estuvo de mas, parecia programa de recetas de cocina.
Y ya ni hablar de la moderadora, que cada ves que la veíamos su sonrisa le quitaba seriedad.


Espero que no hagan cambios drásticos en el formato del debate, solo por considerarlo anti televisivo, aunque estamos educados por la televisión, debemos estar educados para ver televisión.

8.5.12

Ejercicios Prácticos

Los foros de Televisión están siendo invadidos por Robots y los Camarógrafos son desplazados, para evitar esto solo queda tener lo que las máquinas no pueden: "feeling".

El feeling es lo que caracteriza a los Camarógrafos en Acción, saber cuando un personaje en tu encuadre se va a levantar de su asiento y no le vas a "cortar" la cabeza. José Ramón Fernández @joserra_espn les decía: "Camarógrafos carniceros" cuando no ponían atención le "cortaban la cabeza" en el encuadre.

Aquí algunos ejercicios básicos que harán que logres un dominio total de la Cámara.

1.- Comience haciendo un panning a lo largo de una pared o escritorio en el set, a velocidad constante, que no sea lenta, que tampoco sea muy rápido y quede un mal movimiento.

utilizando el lente Zoom, haga el mismo panning en diferentes distancias, desde gran angular, normal, hasta telefoto, mantengan siempre en foco la toma.

2.- Ahora en Tilt sobre un muro, también cambie el tamaño de cuadro, sientan la dificultad para mantener el encuadre a velocidad constante y en foco.

Estos ejercicios les darán seguridad en el manejo de la Cámara en diferentes longitudes focales.

3.- En un panning vayan enfocando objetos a diferentes distancias, este ejercicio es importante para cuando hay que realizar product shot. Hagan una pausa entre los objetos, después pongan mas velocidad, esto les dará seguridad con el foco.

Cuando un Director de Cámaras te diga: Camarógrafo dame tu toma, la toma que tienes que dar es Full Shot y saber donde esta tu foco. A partir de ahí comienza el trabajo del Director de Cámaras.

Si el Director de Cámaras dice: "¿Camarógrafos que me dan? Ese es un "Cacha Tomas".

Sin duda existen muy buenos Directores de Cámaras que les gusta crear equipo con los Camarógrafos y se crea un entendimiento exacto y puntual logrando grandes producciones que los televidentes disfrutan, al final se trabaja para la gente que ve la Televisión y recuerda los robot no piensan en las personas que miran la TV.

Consejos de John Crossman

John Crossman jefe editor de KSL comparte algunos consejos al momento de editar.

RITMO: La vida tiene ritmo, por lo que la edición también debe tenerlo. Si no puede sentirlo, es muy fácil de aprender.

VISUALIZACIÓN: Los buenos editores pueden ver el proyecto completado antes de empezarlo. La verdadera edición no es más que un trabajo manual, ya que las imágenes ya se encuentran montadas en su mente.

PACIENCIA: Los mejores editores consiguen que cada edición parezca siempre la mejor que se podría haber adoptado.

ACTITUD POSITIVA: Pasara innumerables horas en un espacio oscuro y pequeño, normalmente con una fecha de entrega, siempre con la presión del cliente. Cuanto mejor sea nuestra actitud, mejor serán los resultados de nuestro trabajo.

SER UN JUGADOR DE EQUIPO: Intente  no criticar el trabajo de los otros miembros del equipo. Pensar que usted habría conseguido una mejor toma mientras observa horas de grabación y a muchos kilómetros de distancia sentado en una silla, es muy fácil pero poco productivo. Cuando el productor diga: "Ojalá el camarógrafo se hubiese acercado más", responda: "Bueno, hagamos con lo que tenemos y seguirá funcionando". de esa forma es cómo los editores ganan dinero, reputación y fidelidad.

Para editar correctamente, es necesario hacer lo siguiente:
-Utilice la motivación y la lógica: Todo el proceso ha de estar motivado, debe existir una razón para los planos seleccionados y el orden en que se seleccionan.
-Debe haber una finalidad al momento de utilizar un fundido o una cortina, así como una razón para realizar un corte.
-El objetivo es comunicar claramente lo que ha ocurrido. La selección de planos y el tiempo dedicado a ellos refuerza la narración mientras se transmite información.
-Planifique durante la digitalización: Mientras transfiere el vídeo, deberá hacerse una idea muy clara de como se van a distribuir las imágenes.
-Desarrolle nuevas habilidades: Si trabaja a un nivel profesional, o desea hacerlo, deberá destinar una gran cantidad de tiempo y dinero a mantenerse actualizado. Como mínimo, deberá aprender a incluir gráficos, animación, composición y efectos especiales a la edición para satisfacer las peticiones de los clientes.

En el mundo de la televisión, estará rodeado de gente que sabe como crear buenas historias. En la producción corporativa, es posible que trabaje con alguien que no tenga ni idea. En este punto conviene actuar en un 90% como profesor y un 10% como editor. Su actitud le hará ganarse un cliente de por vida o perderlo para siempre.

Al igual que la música en una película, una buena edición contribuye a comunicar el mensaje sin que los espectadores sean consiente de ella. La edición no es el mensaje, pero si puede hacer que este funcione o no, o incluso que funcione mejor de lo que podría esperar.

Consejos de Mackie Morris

Consejos para un buen narrador

Escriba de forma precisa y de acuerdo con los hechos: La mejor técnica y el estilo más elegante no es nada si la narración no se ajusta a los hechos.

Escriba en voz activa: Esta técnica hace que la copia sea más ajustada, completa, fácil de comprender e interesante. Haga cualquier cosa que esté en su mano para evitar la voz pasiva.

Escriba en presente o en pretérito perfecto compuesto: Estos tiempos verbales hacen que la narración sea más inmediata y la inmediatez es más interesante.

Evite la palabra "Hoy". Si utiliza el pretérito, asegúrese de proporcionar una referencia temporal para evitar la confusión.

Mantenga la sencillez de la narración: Elija formas positivas sobre negativas.

Plasme una idea en una frase.

No busque sinónimos, la repetición no es pecado.

No busque un lenguaje demasiado intelectual y complicado.

Ponga todos los medio necesarios para que la audiencia comprenda la historia.

Sea completo y claro: En su búsqueda en pos de la brevedad y la concisión, no omita información que sea necesaria.

Sea creativo: Apeguese a las normas normas pero cree su propio estilo. Intente decir lo mismo de siempre

Intensidad de la Luz

La intensidad lumínica, es la intensidad de la luz de la fuente que estamos utilizando, sin embargo la intensidad de luz que llega a la cámara depende también de la cantidad de luz que refleja nuestro sujeto u objeto, por lo tanto, la intensidad lumínica multiplicada por la reflectancia del sujeto/objeto determina la iluminación, esto quiere decir la cantidad de luz que alcanza al elemento frontal del lente de la cámara.

Profundidad de Campo

Lo que hace posible tener objetos a diferentes distancias en foco se debe a la tolerancia de profundidad de foco atrás y delante del plano. Esta zona de foco se llama Profundidad de Campo.
Se extiende desde la distancia más cercana hasta la distancia más alejada enfrente del lente, todos los puntos crean una imagen dentro de la profundidad de foco, estos puntos dentro de la profundidad de campo producen círculos de confusión y por tanto aparecen en foco.

El círculo de confusión

El círculo de confusión es una medición muy útil pero arbitraria, lo que parece en foco para una persona puede estar fuera de foco para otra, dependiendo de la visión.

Cuando estamos frente a una escena donde tenemos a los protagonistas frente a nuestra cámara a diferentes distancias, el punto focal de cada uno se encontrar en diferentes distancias. Los rayos de luz se formaran delante del plano y otros detrás, los que formen un punto frente al plano primero convergirán y después divergirán; los rayos de luz son registrados como "puntos", aunque estos puntos son mayores que aquellos formados por rayos de luz con un punto focal en el plano, si estos puntos no resultan mayores que el circulo de confusión se consideran en foco.

El estilo del Director de Fotografía

El estilo del Director de Fotografía consiste en determinar él mismo tanto los emplazamientos de la cámara como el encuadre y el lente, incluso a veces el movimiento de cámara, así como todos los detalles técnicos relacionados con el posicionamiento de las lamparas y las luces, ya que el Director ha explicado la escena que desea.

Tamaños de Cuadro

Como Camarógrafo en Acción es importante que conozcas los tamaños de cuadro y lo que estos comunican. Este lenguaje como cualquier otro se ha modificado, pero es importante no perderlo, y lo mejor es enriquecerlo.

Las preguntas que hay que responder ante una gradación o transmisión, son dos:

- ¿Que voy a ver? y
- ¿Como lo quiero ver?

Cada tamaño de cuadro deja ver cosas diferentes y tiene efectos diversos en quien lo mira, es necesario saber seleccionar el tipo de toma para una decisión correcta.

Empecemos por las tomas que nos dejan ver donde se esta llevando acabo la acción:

-Extreme long shot.- Esta toma nos ubica en el lugar, puede verse una ciudad entera, o toda la comunidad donde se lleva acabo la acción.

-Long shot.- Abarca todo el set y se usa principalmente en la entrada de un programa.

Los siguentes tamaños de cuadros toman como referencia el cuerpo humano.

-Full soht.- Es la toma donde vemos el cuerpo completo, desde los pies hasta la parte superior de la cabeza. Nos deja ubicar a la persona en el set.


-Medium full shot.- Este tamaño de cuadro va desde la rodilla hasta la parte superior de la cabeza. También se le conoce como Plano Americano.

Para las siguientes tomas es importante que no te aferres a la cámara, sujetala de forma segura, coloca tus pies separados y que tus manos estén firmes en los mandos del zoom y del foco. No abuses del zoom y, en caso de duda, no te muevas. Cuando muevas la cámara, hazlo seguro de lo que estas haciendo.

-Medium shot.- Va desde la cintura hasta la parte superior de la cabeza.

-Medium close up.- Es de las tomas más utilizadas, ya que podemos resaltar los detalles. Es desde el tórax hasta la parte superior de la cabeza.

Mezclar las tomas es la mejor forma de dar dinamismo a lo que estas realizando. Si grabas todo el vídeo con el mismo tipo de tomas, sera algo monótono y aburrido.

- Close up.- Abarca de los hombros hasta la parte superior de la cabeza.

- Big close up.- Abarca la cara. Desde la barbilla hasta la parte superior de la frente. Con esta toma se logra dar una intimidad o resaltar alguna reacción.

Cuando la toma se centre en una persona, intenta encuadrar de manera que los ojos queden un tercio por debajo de la pantalla. De esta forma, la toma siempre tendrá un aspecto equilibrado, independientemente del encuadre.

- Extreme close up.- Es la toma mas cerrada a una área de la cara, como los ojos, nariz, boca u orejas. Su función es lograr el gran detalle.

Si acercas al sujeto u objeto utilizando el zoom, la toma temblará, el mínimo movimiento se magnifica. es recomendable no abusar de el.

Otras tomas importantes:

- Two shot.- Es el encuadre donde vemos a dos personas y puede ser en cualquier tamaño de cuadro: two shot en close up, two shot en medium shot, etc.

- Three shot.- Vemos a tres personas en cualquier abertura.

- Group shot.- Encuadre de cuatro o mas personas. Este encuadre requiere la toma abierta.

- Tight shot.- Es la toma detallada a objetos o al manejo de ellos al que esta haciendo referencia alguien.

- Product shot.- Toma especifica a un producto en una venta.

Y no podemos dejar fuera los nombres de las tomas que son una broma:

- Toma boliviana

- Monton shot

- Toma rasurada

Seguro que te encuentras con muchos ejemplos en el trabajo diario, como Camarógrafo en Acción procura utilizar el lenguaje adecuado y si tienes una toma peculiar comparte.

Mi deporte favorito: El Zapping

El otro día platicaba con unos jóvenes que están en un curso de Producción de TV y les pregunte que tipo de programas les gustaba ver, a lo que respondieron: "Nosotros no vemos la televisión, nosotros hacemos la televisión". Cuanta soberbia en su respuesta.

No podemos dejar de ver lo que otros están haciendo, no en un mundo cada vez con menos distancias. Creer que lo que se esta haciendo va a revolucionar la TV es un error, además el trabajo de estos jóvenes no esta en ningún canal de TV ni en la Internet.

Ver la TV enriquece el trabajo diario, mirar como otras personas hacen el mismo trabajo que uno da una visión de como mejorar, no comparar, eso crea competencia que no siempre ayuda a crecer.

Me puse a practicar mi deporte favorito: el "zapping" y me encontré cosas que me sorprendieron y me gustaron. Vi La oveja eléctrica, ¿Quien dijo yo? y el show de la WWE

La oveja eléctrica, programa que visualmente atrae, el ciclorama totalmente blanco así como el piso; esto hace resaltar a sus conductores y en full shot da la sensación que "flotan". Además utiliza un gráfico como si fuese un comic. Visualmente muy atractivo y la información de actualidad.

¿Quien dijo yo?, un grupo de actores improvisan situaciones, actúan, gesticulan, inventan. Los camarógrafos deben de estar atentos a lo que hacen los actores, pues no hay un guión, y hay responder a lo que están improvisando. Muy divertido.

El show de la WWE ha de estar realizado con mas de 6 cámaras, hay mucha acción entre los participantes y nunca se descubre a uno solo de los camarógrafos. Es muy dinámico el trabajo de dirección de cámaras, los camarógrafos van detrás de la acción y nunca intervienen directamente.

¿Como ves la TV? La ves como un espectador o como un profesional de la imagen

Domingo de Fútbol

El domingo de fútbol siempre resulta entretenido y mas si lo ves por TV. Pero sabes ¿Cuantas cámaras se utilizan en un partido de fútbol?

Cámara 1.- Esta cámara esta colocada para ver el "fuera de lugar". Se coloca al costado de una de la portería.

Cámara 2.- Esta cámara lleva la acción de toda la jugada. Se coloca al centro de la cancha.

Cámara 3.- Esta cámara se coloca a un lado de la cámara 2 y lleva la toma cerrada de la jugada. Utiliza un lente telefoto para poder ver las jugadas a detalle.

Cámara 4.- Esta cámara Se coloca al costado de la otra portería y esta colocada para ver el "fuera de lugar"

Todas estas cámaras están colocadas a nivel de los palcos o en unas canastillas especiales, esto para tener una mejor visión del campo y de las jugadas. A nivel de cancha se colocan cámaras al hombro que están situadas a lo largo de la banda, sin estorbar a los árbitros o entrenadores.

Cámara 5 y 6.- Estas cámaras van al hombro y son para ver la banca de los jugadores, dar la toma de corner y ver los tiros penales desde detrás de la portería. Cada una cubre la mitad de la cancha.

Cámara 7 y 8.- Estas cámaras se colocan cada una a un costado de cada portería, esta colocadas así para ver las jugadas de mayor peligro a nivel de cancha.

Cámara 9 y 10.- Estas cámaras se colocan de frente a las bancas y son para ver las reacciones de los entrenadores y de los jugadores que entran cuando se hacen cambios. Se les conoce como: Contra toma.

Cámara 11 y 12.- Estas cámaras van en las grúas, que también se colocan detrás de las porterías.

Ahora si se comience el juego... Pita el arbitro, en la cámara 2 vemos la jugada donde intentan anotar, hay una falta, en la cámara 3 vemos al caído, con la cámara 7 vemos al que cometió la falta, volvemos a la cámara 2 para ver como se reanuda el juego, viene el contra ataque tira, vemos como la rechaza el portero y la manda fuera, en la cámara 3 vemos al jugador que realizo el tiro, se disponen para el corner, mientras vemos la repetición, la cámara 8 tiene toda la acción del tiro, volvemos al partido y la cámara 5 ya se coloca a nivel del balón, esta es una toma espectacular, en primer plano el balón y al fondo los jugadores que esperan el pase... y es así como vemos el fútbol.

Algunas veces se colocan cámaras detrás de las porterías, en las gradas, algunas cadenas de televisión colocan alguna cámara con los comentaristas en el palco de transmisión. También se utiliza la FlyCam, SteadyCam, PhantomCam; todo para disfrutar el fútbol en casa. Es así como los Cámarografos en acción nos dan sus mejores tomas para que disfrutemos del domingo de fútbol.

Definición de la imagen

Gran polémica se armo en un estudio de televisión, en la pasada copa mundial de fútbol. El foro de tamaño medio una cámara con lente gran angular se instalo en la grúa, pero resulto muy larga para el espacio; entonces se requería quitarle una extensión (un tubo) y hacer más corto el brazo; un cámarografo dijo: "Si le quitan una extensión le van a quitar definición a la cámara". Silencio total, todos pensaron que se trataba de una broma, pero no, lo dijo muy convencido. Es imposible quitarle definición a la cámara si lo que se necesitaba era hacer mas corto el brazo de la grúa. Ahora el camarógrafo sufre de burlas constantes, no cabe duda no todos los camarógrafos que asisten a los eventos internacionales son los mejores.

¿Que determina la definición de la imagen en la cámara?

- Foco
- Distancia focal
- Profundidad de campo
- Diafragma
- Tipo de lente

Foco
Como Camarógrafos en Acción nuestro objetivo primordial es lograr una imagen enfocada, nítida. Sólo en casos excepcionales, relacionados con una intención estética o artística haremos tomas desenfocadas. El foco es el punto donde se concentran los rayos de luz y logramos ver la imagen nítida.

Distancia Focal
La distancia focal es una distancia en milímetros desde el centro óptico del objetivo hasta el plano focal donde se forma la imagen, cuando el lente está enfocada hacia el infinito. A mayor distancia focal, menor es el ángulo de vista y mayor el tamaño de los objetos enfocados. La distancia focal de una lente se da a veces en pulgadas, pero usualmente se da en milímetros (mm) o centímetros (cm).

Profundidad de Campo
La profundidad de campo es la distancia comprendida entre los puntos más próximo y más lejano de la escena captada que puede ser reproducida nítidamente, es decir, es el espacio que vemos totalmente nítido delante y detrás del sujeto u objeto sobre el que estamos enfocando el lente.

Diafragma
El diafragma es un juego de laminillas metálicas imbricadas que determinan entre sí una abertura de forma aproximadamente circular y diámetro continuamente variable que se controla por medio de un anillo dispuesto en el cuerpo del objetivo. Cuando más oscura sea la escena mayor deberá ser abertura del diafragma, y cuando más luminosa sea menor deberá sera la abertura. Se determina por F-steps.

Tipos de Lentes
- Normal: Es el lente que van de 40 a 55mm. Los de 50mm ofrecen una visión muy parecida a la del ojo humano.

- Gran Angular: Este lente va de 28 a 35mm que abarcan un campo que va de los 60º a los 180º, estos lentes ofrecen una mayor profundidad de campo y con su mayor ángulo de visión se utiliza en lugares pequeños.

-Teleobjetivo: Este lente va de 135mm a 500mm y más, nos ofrecen un campo de hasta 31º,
Los teleobjetivos ofrecen una gran distancia focal, con un ángulo de visión estrecho Un lente de este tipo sólo cubre una pequeña parte de lo que ven los ojos. De este modo, es más fácil excluir elementos que pudieran distraer la atención del centro de interés. Se centra la atención del espectador a un tema en especifico.

- Zoom: Es el tipo de lente que nos ofrece distancias focales que van desde Gran angular, pasando por el normal hasta la posición teleobjetivo, todo en un solo lente.

Ahora sabemos que la definición de un lente no se ve afectada por la longitud de la grua, si alguien conoce a ese camarógrafo invitenlo a ser un Camarógrafo en Acción poniéndose al tanto en este espacio dedicado a los artistas de la imagen.

El Encuadre

Se le llama ENCUADRE a la selección de la realidad que utiliza el artista de la lente. Es importante valorar el encuadre ya que estamos mostrando una parte de la realidad que limitamos, restringimos, manipulamos, engrandecemos, valoramos o desestimamos.

El Encuadre es responsabilidad del operador de la cámara, esto puede parecer sencillo, sin embargo no lo es. Generalmente se dice que un camarógrafo solo hace: "Push the REC button", pero si estamos hablando de un Camarógrafo en Acción este cuidara cada detalle del encuadre para obtener la mejor imagen.

La visión del ser humano es selectiva por naturaleza, en la cámara aplicamos esta selección através del encuadre. De una misma situación en la que nos encontremos, podemos obtener resultados muy variados; dependiendo de la distancia y la inclinación en la que coloquemos la cámara.

El encuadre esta ligado a la composición, En el view finder podemos tener marcada las proporciones 4:3 o 16:9 con base en este dato realizamos nuestra composición.

Existen tres conceptos importantes al momento de realizar un encuadre, estos son:
- Ley del Horizonte
- Ley de la Mirada
- Regla de los tercios

La ley del Horizonte.- De forma imaginaria en el view finder se trazan tres lineas horizontales, creando tres bandas; se destinan dos bandas al sujeto u objeto que deseamos resaltar en nuestro encuadre.

La ley de la Mirada.- Esta ley indica que el sujeto u objeto dentro de nuestro encuadre debe tener mas espacio en su parte frontal que en la trasera, independiente al tamaño de cuadro.

Regla de los Tercios.- Esta regla consiste en dividir nuestro view finder, se trazan imaginariamente dos lineas verticales y dos horizontales equidistantes; de esta manera queda dividido en tres partes horizontal y verticalmente.
Las lineas que determinan estos tercios se cortan en puntos estéticamente adecuados para situar el interés en nuestro encuadre. Estos puntos son llamados "Puntos Aureos" donde se hacen mas llamativos los sujetos u objetos, así nuestra composición resulta estéticamente atractiva.

También hay que recordar que en nuestro encuadre hay elementos primarios y secundarios, valora cual es el importante para el encuadre que estas realizando.

En otro día vi en la televisión una entrevista que le hicieron al sheriff de Arizona: Joe Arpaio. La toma que le hicieron fue desde el frente de su escritorio, unas plumas de escritorio parecían ser unas grandes astas por enfrente de el. Hay que saber donde colocamos la cámara y que encuadre vamos a obtener.

En nuestro encuadre una mujer con vestido strapless puede parecer topless, hay que tener cuidado a menos que esa sea la intención. A veces una toma contrapicada puede incomodar a las mujeres cuando traen vestido corto.

Vemos al presentador de las noticias muy elegante con su saco y corbata, quizá lo que no vemos es que trae jeans y zapatos deportivos, porque después de dar las noticias se va de día de campo con su familia o a jugar Tennis.

Un Camarógrafo en Acción es el responsable de lo que se ve en su encuadre, y tu, ¿Que ves en tu encuadre?

White Balance

Nuestro cerebro por medio de nuestros ojos se ajusta a las diferentes fuentes luminosas de manera casi instantánea, tanto es así que casi nunca notamos ninguna variación de las diferentes fuentes lumínicas. El cerebro siempre busca como referencia algún elemento blanco que le permita ajustarse.

Así mismo debemos de hacer el ajuste de blancos en nuestra cámara para obtener escenas de acuerdo a las condiciones de luz en que grabamos. Es necesario darle a nuestra cámara una referencia para ajustarse y que reconozca este blanco como un blanco y así podrá registrar todos los demás colores, hasta que la fuente luminosa cambie; porque no es lo mismo un blanco con una vela que con la luz del sol. *Para los mas estrictos en la materia, el blanco NO es un color.

El White Balance ya esta considerado en cualquier tipo de cámara, desde las handycam hasta la mas profesional. En las handycam puedes utilizar el auto white balance, ten cuidado cuando grabas en condiciones de luz muy incierta, pues cuando estas cámaras registran luz fluorescente tu escena que grabas puede quedar en tonos rojizos o verdes.

Hay en una carta especial para realizar el ajuste de blancos cuando utilizas una cámara de formato profesional, pero en este negocio hay que ingeniárselas y ser practico, así que podemos utilizar una hoja o la playera de nuestro asistente.

Para hacer el White Balance realiza estos pasos:

- Colocar la fuente luminosa que vas a utilizar

- Poner en automático el Iris

- Dirigir tu cámara hacia la superficie en blanco

- Desenfoca la imagen

- Activar el botón

En el view finder te indicara la temperatura a la cual se ajusto, no des por hecho que el ajuste fue correcto, también puede darte el mensaje que el ajuste fue incorrecto; hay que estar seguros que el filtro fue el correcto.

Puede suceder que estés utilizando tu lampara sun gun, y resulta que el rostro del entrevistado esta en óptimas condiciones, pero detrás de el no ves nada mas. ¿Que paso? Elegiste mal el filtro, cuando el balance de blancos es el mejor; el mensaje que aparece en el view finder te indica una temperatura de color muy cercana al filtro utilizado y una apertura del Iris de 5.6 f-steps.

En el siguiente post hablare de los filtros de la cámara, no hay filtros para interiores o para exteriores, se utilizan de acuerdo a la temperatura de color.


*Es importante que ajustes tu cámara cada vez que cambies las condiciones de luz.*

Filtros CC

Antes de pasar a los filtros correctores de color hay algunos conceptos que debemos conocer.

Espectro visible
También llamado espectro óptico, es la parte del espectro electromagnético que percibe el ojo humano; el ojo responde a longitudes de onda de 380 a 750 nanómetros. La longitud de onda determina el color de la luz.
La luz blanca esta integrada por diferentes longitudes de onda, esto podemos verlo cuando un rayo de luz pasa por un prisma reflactor que se separa en sus componentes.

Difracción
Desviación de un haz luminoso que pasa a través de un cuerpo opaco que se encuentra en su trayectoria.


Difusión
Reflexión o dispersión de la luz en todas direcciones al incidir un haz luminoso sobre una superficie irregular.

Luminosidad
Dimensión de un color por la que se aprecia su luminancia, ya que los estímulos visuales están ordenados desde lo más oscuro hasta lo más luminoso.

Temperatura de color
Es el efecto cromático que emite la luz a través de una fuente luminosa, esta depende de su temperatura; si es baja su color tiende al rojo y sera azul si la temperatura es alta. Al calentar un metal, esteva cambiando de color según la temperatura que se le aplique. De esta manera cuando llegue a los 2700 Kelvin el metal emite luz de color amarilla, igual que una bombilla casera, al llegar a los 3200 Kelvin el color que obtendremos sera muy parecido a la luz tungsteno; al llegar a los 5500 kelvin el metal emite luz muy parecida a la luz del medio día.

La temperatura de color se puede modificar, esto se logra anteponiendo en las luminarias filtros de conversión. De esta manera si estas grabando junto a un ventanal, puedes convertir una lampara con temperatura de color de 3200K a 5600K con solo colocar un filtro CTB en tu lampara. El filtro o gelatina CTO es para la acción inversa, si estas en un interior y tu lampara es de 5600K, lograras corregir el color.

Filtros CC
Es importante hacer una correcta elección del filtro de acuerdo a la temperatura de color y obtener imagenes apegadas a la realidad donde estamos grabando. Si no utilizamos el filtro adecuado podemos llevarnos sorpresas al momento de revisar nuestro material. La luz fluorescente a nuestra vista parece blanca o rosa y para la cámara es verde.

Las cámaras de formato profesional tienen filtros CC para diferentes temperaturas de color:
- 2200 K
- 4300 K
- 6300 K
- 8000 K
- N/D
Los filtros N/D son filtros grises que no tienen ningún efecto sobre la luz, únicamente reducen la cantidad de luz, así van desde: Clear, 1/4, 1/8, 1/16,1/64 solo reducen un cuarto de su densidad original. Cada 0.3 de densidad equivale a un diafragma.

Si vas a grabar en un día muy soleado, puedes hacer el white balance en una superficie blanca donde tengas sombra, así no habrá tantas variaciones, además las cámaras tienen memorias A y B donde puedes guardar diferentes ajustes y con solo cambiar de memoria ya esta ajustada.
Recuerda Camarógrafo en Acción, que no existen filtros para interiores o exteriores, los Filtros CC son para corregir el color de acuerdo a la escena que vayas a realizar.

Movimientos y desplazamientos de Cámara

Al inicio de la comunicación visual, la cámara permanecia fija, todo sucedía dentro del encuadre, no había movimientos ni desplazamientos; la movilidad de la cámara es el recurso visual que hace diferente nuestro trabajo como realizadores visuales. Todo Movimiento o Desplazamiento de la cámara tiene que justificarse y debe contribuir a la información que se da al televidente.

Los movimientos de la cámara son físicos y ópticos, estos permiten describir o hacer seguimientos a los sujetos u objetos que están frente a la cámara. La cámara no se mueve.

Movimientos físicos:

Panning.- Movimiento de rotación en el plano horizontal, la cámara gira de izquierda a derecha y de derecha a izquierda.
- Panning Left
- Panning Right

Tilt.- Movimiento de rotación en el plano vertical, la cámara se mueve de arriba hacia abajo y de abajo hacia arriba. Se utiliza de forma descriptiva o narrativa.
- Tilt Up
- Tilt Down

Movimientos Opticos.- La cámara continua fija, la óptica se mueve y nos acerca o aleja a los sujetos u objetos que están frente a la cámara, lo poco atractivo es el efecto visual, que hace que la escena se comprima. Estos movimientos ópticos nos permiten rapidez en el detalle de la escena.
- Zoom In
- Zoom Out/Back

Los desplazamientos de la cámara nos permiten seguir a los sujetos que están frente a la cámara. La cámara se desplaza físicamente, esta va donde va el personaje o la situación. Para los desplazamientos siempre es necesario colocar la cámara en aditamentos especiales: Dolly, Travelin, Grúa, Steadycam, Flycam.

Desplazamientos

Dolly.- La cámara se acerca o se aleja del personaje. Le da fluidez a la imagen y requiere técnica y control para lograr una escena sin vibraciones
- Dolly In
- Dolly Back

Travel.- La camara acompaña al sujeto en la escena, en su movimiento de translación hace mas dinamica la escena al variar el punto de vista y tambiénla perspectiva.
- Travelling Left
- Travelling Right

Grúa- El movimiento de la grúa combina el dolly, panning, boom up/down, convirtiéndolo en un movimiento/desplazamiento con gran expresividad en imagen.

- Dolly.- Carro de ruedas neumáticas
- Travelin.- Carro sobre vías
- Grúa.- Es una brazo articulado donde se coloca la cámara.
- Steadycam.- Arnes con brazo neumático que se coloca el camarógrafo.

Todos estos movimientos y desplazamientos pueden realizarse con la cámara al hombro. Utilizalos de acuerdo al tema del programa que estés grabando, recuerda no abusar de ellos y cansar al televidente.